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11 noviembre 2022

Eva Armisén: “Ce serait une honte pour les artistes de perdre un espace comme La Lonja, il y en a peu comme lui pour exposer”

Eva Armisén, originaire de Saragosse, est l'une des artistes internationales qui a conquis l'Asie avec ses illustrations. Nous parlons de son histoire, de sa dernière exposition à Saragosse, du rôle des femmes dans l'art, de l'art et des affaires et de ses derniers projets.

Vous êtes né à Saragosse, mais vous vivez actuellement à Barcelone. Qu’est-ce qui vous a poussé à émigrer de votre pays natal?

Je voulais étudier les Beaux-Arts à Saragosse et il n’y en a toujours pas. J’ai pensé à aller à Barcelone et à Madrid, j’ai décidé de venir à Barcelone et je suis resté ici. J’ai une relation très étroite avec Saragosse car j’y ai de la famille, mes parents, mes oncles et tantes… Je vais assez souvent à Saragosse pour mon travail, chaque fois que j’expose, c’est-à-dire tous les deux ou trois ans, et pour voir ma famille et mes amis. Je reste en contact.

Vous avez également suivi une formation à l’atelier de gravure Fuendetodos, comment s’est déroulée cette expérience?

Si je me souviens bien, c’était à l’ouverture de l’atelier Fuendetodos et ils m’ont invité à suivre les premiers cours, ils m’ont donné une bourse et je pense que cela a coïncidé avec mon premier cours de Beaux-Arts.

J’étais une jeune fille et la vérité est que c’était fantastique, j’ai eu la chance d’avoir des professeurs et des camarades de classe spectaculaires, et c’est grâce à eux que j’ai commencé à aimer la gravure. Après, pendant tout le temps où j’ai peint, j’ai aussi fait de la gravure.

Malgré vos liens avec l’Aragon, votre carrière a toujours été plus internationale que nationale.

Ne me croyez pas… J’ai beaucoup exposé en Espagne. Il est vrai que ces douze dernières années, j’ai beaucoup travaillé en Asie et que les projets en Asie sont peut-être plus importants en raison de la taille des pays, mais c’est en Espagne que j’ai travaillé et à Saragosse que j’ai toujours été très bien traité.

Aviez-vous une épine dans le pied à l’idée d’exposer dans un lieu comme La Lonja?

Plus qu’une épine dans le pied, c’était plutôt un rêve car je suis allé à La Lonja pour voir des artistes que j’admire beaucoup. Il n’y a pas de meilleur endroit pour exposer à Saragosse. Au début, je n’y pensais pas, je n’en rêvais pas, je ne pouvais même pas y penser ; mais récemment, j’ai commencé à y penser… et quand ils me l’ont dit, c’était comme un cadeau. Pas seulement à Saragosse, je pense qu’il y a très peu d’espaces comme le marché aux poissons pour exposer.

Que pensez-vous de l’idée de dédier La Lonja à un espace d’exposition sur Goya?

Pour les artistes, La Lonja est un espace que nous voulons préserver, car il n’y a pas beaucoup d’occasions d’exposer son travail dans un espace de cette taille. En fin de compte, c’est très bien d’exposer dans des galeries et tous les espaces ont leur place, mais des espaces aussi grands et significatifs, avec une charge émotionnelle aussi énorme que La Lonja… pour nous, ce serait une honte de perdre cet espace.

Pour le grand public, vous êtes le peintre qui expose en Asie… Comment cette relation a-t-elle commencé il y a 12 ans?

Ça commence comme tout dans la vie, par des choses auxquelles on ne s’attend pas. Je travaille avec une galerie à Los Angeles, la propriétaire de la galerie est coréenne et elle m’a emmené à une foire là-bas il y a 12 ans. Elle m’a dit qu’elle ne pensait pas que ça allait marcher très bien, mais que nous allions essayer. La vérité est que la connexion avec les gens de Séoul a été immédiate… et depuis, je n’ai pas cessé de revenir, de faire des expositions de plus en plus grandes, des projets dans de nombreux domaines comme le public avec des installations artistiques. J’ai un lien très fort avec le pays.

De l’idée que ça ne marcherait pas à l’établissement d’une relation étroite.

Oui, ces choses-là arrivent… et on ne sait jamais où l’on va trouver cette réponse. Il y a beaucoup de facteurs qui, je pense, ont déterminé cela, c’était très magique et je suis très reconnaissant.

Quels sont ces facteurs, et pourquoi votre travail est-il si populaire en Asie ?

Par facteurs, je veux dire que parfois vous n’arrivez pas au bon moment, nous avons tous une chance d’entrer en contact avec les gens, cela dépend du moment, du lieu, de ce que vous pensez avoir à présenter… et bien sûr il faut travailler. Je suppose que les Coréens aiment que je peigne à cause d’une émotion qui me touche et que je veux capturer et retenir le temps de pouvoir revenir, et ils trouvent dans ma peinture aussi cette émotion, et cette façon de se connecter avec les choses qui leur échappent dans le rythme frénétique du quotidien.

La Chine ou l’Asie en général est-elle une opportunité pour l’art espagnol ?

Bien sûr, bien sûr. La dimension et l’échelle des choses sont beaucoup plus grandes, les possibilités de tester les espaces et les publics se multiplient. Chaque endroit a son charme et ses possibilités, mais j’ai pu y travailler beaucoup et c’est ce que je sais. J’ai eu l’occasion de travailler avec de très jeunes gens, les écoles ont beaucoup suivi ce que je faisais, ils vont dans des foires et des expositions, il y a une sorte d’agitation qui fait que l’art sort des galeries pour aller dans toutes les sphères.

C’est ce qui manque ici.

Dans l’éducation, nous n’en avons jamais assez, nous faisons ce que nous pouvons. Ils ont une chose qui les différencie, c’est qu’ils n’ont pas de préjugés lorsqu’il s’agit de mêler l’art aux entreprises, à l’initiative privée, et cela signifie qu’il y a plus d’investissements, et que l’on trouve de l’art dans des domaines qui sont encore mal vus ici ou que nous ne connaissons pas parce que nous n’y pensons pas. Pour eux, j’ai l’impression que ces choses ne sont pas un obstacle.

Voulez-vous dire une entreprise privée qui investit ou des lieux où elle est exposée ?

Je veux dire tout. J’ai travaillé pour des entreprises puissantes comme Samsung, qui possède un immense et merveilleux musée qui acquiert et promeut l’art non seulement coréen, mais aussi international ; mais aussi que toutes les entreprises ont des œuvres au sein de leur entreprise, elles offrent à leurs employés la possibilité d’approcher les œuvres, elles font de la publicité avec l’art… C’est comme si l’art était transversal dans l’entreprise et ils considèrent qu’il a beaucoup de pouvoir de communication.

Ce qui vous distingue des autres artistes, c’est que votre art est aussi devenu une chose quotidienne.

J’ai toujours pensé qu’être populaire ou toucher beaucoup de monde n’est pas une mauvaise chose. Je n’ai jamais trop aimé que l’art soit élitiste, le problème est qu’il n’atteint souvent pas les gens, pas qu’ils ne savent pas comment l’apprécier. Ce que j’ai aimé dans l’expérience d’autres pays, comme faire des installations artistiques dans la rue, c’est que les gens qui n’iraient pas dans un musée parce que cela les intimide ou ne les intéresse pas, lorsqu’ils le découvrent dans la rue et de manière naturelle, ils se connectent et ont cette possibilité. J’ai toujours été intéressé par le fait d’amener l’art à l’extérieur et j’ai eu confiance dans le fait que tout le monde a cette sensibilité, plus ou moins développée ou éduquée, mais qu’elle existe en chacun. L’activer est toujours magique et stimulant.

En plus de l’Asie, vous avez visité de nombreux autres endroits dans le monde, comme les États-Unis. Qu’y avez-vous fait ?

Je travaille depuis de nombreuses années avec différentes galeries et c’est aux États-Unis qu’il est le plus clair qu’il n’y a pas de séparation entre l’art et la vie en général. J’ai fait une campagne avec les bus touristiques qui m’a beaucoup plu, je trouvais ça magnifique de peindre les bus et de les faire se déplacer à Las Vegas, New York, Chicago… J’aime pouvoir faire ça, que les gens puissent entrer dans une peinture, dans ce cas le bus qui explique une histoire. Je revendique le côté ludique et participatif de l’art. J’ai pu faire ce genre de choses et j’ai également travaillé dans de nombreux pays, mais c’est ici, au Portugal, que mon travail a été reconnu pour la première fois, et sans leur soutien, je ne me serais probablement pas consacré à la peinture.

Vous parlez du côté ludique et participatif de l’art, lanceriez-vous des expositions immersives ?

Je l’ai fait toute ma vie, mais d’une manière différente. Si vous faites référence aux derniers qui apparaissent… Cela ne me passionne pas car je ne sais pas si ces artistes l’auraient fait. J’aime faire participer le public à mon art, mais je dois moi-même réfléchir à la manière de le faire. À La Lonja, je le fais avec la peinture du tissu, ou en peignant un mur qui surplombe partout et se joint au plafond de La Lonja… mais je ne voudrais pas qu’il soit rempli de mes peintures où les gens interviennent, à moins que je ne l’aie prévu comme mon propre projet. Je pense que nous pensons que les gens ont parfois besoin de beaucoup d’aide pour participer à l’œuvre d’art et peut-être n’est-il pas nécessaire d’animer un tableau de Van Gogh pour que les gens l’apprécient, j’ai des doutes. Il y a quelque chose de beaucoup plus organique dans ce que je fais, je participe et je contrôle l’action.

Les Coréens vous définissent comme “le peintre du bonheur” et il est vrai qu’il a toujours une couleur ou une vision optimiste. Votre art commence-t-il dans un moment heureux ?

Je n’ai pas aimé ce titre au début quand on me l’a donné, ce n’est pas que je commence à peindre avec un sourire sur le visage et que tout me semble beau. Je trouverais cette lecture plutôt banale, car mes peintures traitent de sujets très différents. Il est vrai que pour moi la peinture est une joie, un soutien et une force que j’ai toujours à portée de main, mais cela ne veut pas dire que tout est une folie. La peinture est un espace qui ouvre des fenêtres et différentes façons de regarder et c’est ce que je demande, regarder les choses qui vous arrivent d’une manière différente. Je suis un optimiste, mais cela ne veut pas dire que je n’analyse pas les choses qui arrivent et que je ne les capture pas dans ma peinture.

En fait, elle est pleine de réflexion.

Je l’utilise pour réfléchir, oui. C’est vrai que tout part d’une émotion initiale et quand quelqu’un se connecte à cette émotion, la fait sienne et amène ses peintures dans son propre territoire, c’est fantastique. Je peux me baser sur quelque chose d’autobiographique et la personne qui l’interprète parle de sa propre biographie.

Comment êtes-vous parvenu à un style aussi personnel ?

Je ne sais pas, c’est une question d’années, on commence à copier, à avoir des références… puis on se débarrasse de ce qui n’est pas à soi et dans mon cas, je pense qu’il y a une tentative très intense d’honnêteté, de sincérité et de simplicité. J’ai réussi à créer un langage dont je suis très content parce qu’il est absolument reconnaissable, ce n’est pas facile.

Qui ont été vos références ?

Au début, je copiais Modigliani parce que je trouvais ses figures poétiques et qu’elles m’emmenaient dans un monde de rêves, je suis passé par Basquiat, les expressionnistes allemands, Miró, Barceló… J’ai eu différentes étapes. Je pense que je suis hypersensible à la beauté dans toutes ses significations et je la recherche, je peux la trouver dans une personne, une couleur, un bâtiment ?

Vous travaillez dans tous les genres (peinture, dessin, sculpture, illustration…), comme on peut le voir dans l’exposition récemment ouverte à la Lonja.

Je pense que pour saisir et expliquer une idée ou cette émotion que vous imaginez, vous pouvez le faire de mille façons et il est essentiel de choisir le bon langage, l’échelle, la technique, la taille. L’ensemble du message est conditionné par le support et arrive avec une intensité différente. Je réfléchis très soigneusement à la façon dont je vais expliquer ce que je ressens. L’exposition à La Lonja compte plus de 200 œuvres et j’ai essayé d’en faire un éventail de toutes les techniques. L’une des pièces parle de la fragilité et la céramique me semble être la meilleure façon de l’expliquer, par exemple.

Dans vos œuvres, vous utilisez des mots pour guider le spectateur à travers le dessin. Un mot associé à une image déclenche toute une réflexion.

Oui, cela a toujours été le cas. J’aime écrire et lire beaucoup. Parfois je prends un petit croquis et parfois un mot. J’utilise souvent des mots sous la forme d’un coup de pinceau, non seulement dans la forme, mais aussi dans le message. Je ne saurais pas comment peindre sans écrire sur les tableaux.

Vous avez collaboré à des campagnes avec l’Institut des femmes contre la violence de genre, avec les Haenyeo coréens pour qu’ils soient déclarés patrimoine immatériel de l’humanité… Vos œuvres, en général, ont une vision féminine et féministe, n’est-ce pas ?

Je n’y pense même pas parce que c’est tellement évident… en tant que femme, je ne peux pas ne pas être féministe. Je la défends en ayant mon propre discours, en essayant d’atteindre les mêmes places qu’un homme, les places que je mérite. J’aime collaborer à des projets qui renforcent l’autonomie des femmes, car l’essentiel est de croire en nous-mêmes que nous sommes capables de faire la même chose que n’importe qui d’autre. C’est une lutte sans fin, on se heurte à des barrières émotionnelles et à des barrières de toutes sortes. Pourquoi les femmes ? Comme mon travail est très autobiographique, ce que je vis, je le ressens en tant que femme. Je rencontre ce que nous rencontrons tous, cela ne se passe pas seulement dans le monde de l’art, ouvrir des voies est une façon de se positionner parce que c’est ce que nous devons faire.

Comment voyez-vous le rôle des femmes dans l’art aujourd’hui ?

Je vais vous donner un exemple qui résume tout. Dans mon studio, j’ai une énorme bibliothèque et un jour, je me suis assise et j’ai vu que je n’avais que quatre livres sur les femmes. C’est comme ça que je le vois. Cependant, je vais donner des conférences dans des facultés des Beaux-Arts en Espagne et dans de nombreux autres pays et, dans certains endroits, presque tous les étudiants sont des femmes. Je me demande pourquoi elles ne sont pas visibles, où sont-elles ? Vous allez à une foire d’art et il y a beaucoup plus d’hommes et les œuvres les plus appréciées de l’histoire de l’art sont presque toutes réalisées par des hommes. Les nouvelles générations sont plus conscientes qu’elles méritent leur espace.

L’une de vos œuvres dans l’exposition que l’on peut maintenant voir à La Lonja vous représente portant une sorte de robe d’arbres et de chemins. Et il est écrit : “Chemins parcourus et chemins nouveaux”. Quelles sont ces nouvelles voies pour Eva Armisén ?

Je suis très heureux de l’exposition à La Lonja, je me sens très bien que dans votre propre ville les gens vous répondent comme ça. En ce moment, je prépare une exposition pour un musée de Séoul qui ouvrira en mai et je travaille sur plusieurs projets en même temps. Les expositions de cette taille nécessitent beaucoup d’œuvres et tout un discours, l’organisation est compliquée pour que tout finisse par fonctionner et que les gens finissent par se connecter avec l’histoire.

Et pour pouvoir retourner en Corée…

J’espère pouvoir y aller, car je n’y suis pas allé depuis la pandémie. L’une des bonnes choses que la pandémie m’a apportées est que j’ai appris à télétravailler les expositions, j’ai réussi à le faire et j’ai un architecte qui m’aide. Grâce à cela, j’ai eu La Lonja sur mon ordinateur, je me suis promené dans l’exposition, j’ai pu expérimenter pratiquement chaque mètre de l’exposition. J’ai appris tout cela grâce à la pandémie et cela m’aide à planifier les choses.

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