Vous êtes née à Sariñena, mais l’enfance de Lita Cabellut est plutôt liée à Barcelone. Quels souvenirs gardez-vous de vos premiers pas en Aragon ?
Malheureusement pas parce que j’étais trop jeune, mais je vous assure que plus tard j’ai eu l’occasion de faire des pas longs et courts dans mon Aragon bien-aimé. Je me suis toujours sentie très bien accueillie et soutenue.
Comment retrouvez-vous votre enfance dans votre travail ? S’agit-il plutôt d’un retour aux origines, d’une reconnexion avec vos racines, ou d’un véritable souvenir ?
Je crois que le corps, les cellules, le sang… contiennent des souvenirs. Cet héritage se manifeste de manière capricieuse et inconsciente, mais tout cela réuni me fait reconnaître ma patrie. Ma première période picturale contient une palette de couleurs très aragonaise, des terres, des ocres, des bruns, des noirs… un grand lien à travers les couleurs, leur austérité et leur bravoure dans une même formule.
Peut-on voir ce lien avec Sariñena dans une œuvre spécifique ?
C’est précisément ce que je vous disais avant à propos de la mémoire inconsciente, mais qui se manifeste à travers la vie et votre façon de la percevoir, apparaît parce qu’elle est cachée et en même temps latente, muette à l’intérieur de vous, mais avec une voix.
Comment avez-vous découvert votre vocation à travers la peinture ?
La vie est et continue d’être très généreuse avec moi. C’était un excellent cadeau. Ma mère adoptive m’a emmené visiter le musée du Prado quand j’avais treize ans et là j’ai découvert et ressenti la grandeur et l’émotion absolue de l’Art. Là, je lui ai dit que je voulais devenir un artiste, pour pouvoir transmettre ce que j’avais ressenti en voyant Rubens et Goya.
Comment s’est déroulé votre apprentissage ?
La discipline, une montée en puissance qui semble ne jamais devoir se terminer, et pour vous dire la vérité, j’en suis à la moitié. L’apprentissage, la formation est un prisme de passion, de dévouement, de persévérance et surtout d’humilité face à l’échec et au succès.
Très brièvement, vous passez de l’art expressionniste au caractère puis à la déconstruction. Comment décrivez-vous votre évolution artistique, votre propre style ?
Comment l’expliquer en quelques mots… car je pourrais expliquer cette question en plusieurs semaines. Ce n’est pas quelque chose que l’on choisit au moment de la fabrication, le processus d’un artiste est comparable à celui d’un marchand de fruits. Les fruits sont durs, en pleine couleur et la transformation qu’ils acquièrent avec le temps est si belle et si impossible à manipuler… le changement ne peut être accéléré d’un point de vue intellectuel ou émotionnel : les périodes des artistes sont un manifeste de témoignage envers la vie.
Vous sentez-vous plus influencé par Goya ou par les maîtres hollandais ?
Goya fait partie de cet héritage cellulaire. Goya est imprimé sur ma peau, sur mes muscles. J’admire et apprécie les maîtres hollandais à travers la conscience que j’ai acquise, la virtuosité de certains d’entre eux est incomparable.
Peut-être à cause de Goya parce que vous partagez l’origine, la liberté avec laquelle vous regardez l’art, la rébellion… Vous ne pensez pas ?
Ma formation éthique sur l’art, sur la manière d’observer l’être humain et d’être plus humain… apprendre ce contraste des noirs et des jaunes… ce point si important et essentiel m’a été enseigné par mon maître Goya, et combien il est difficile d’approcher un esprit aussi humain et libre que le sien. Mes exercices quotidiens sont ces approches de l’essence de l’art.
Quelle est votre œuvre préférée de Goya et pourquoi ?
J’en ai plusieurs et je vais en nommer un : La prairie de San Isidro. Cette pièce est ma préférée parce qu’elle nous rappelle constamment que la vie peut nous dépouiller de tout ce que nous avons accompli et aimé et que la seule chose qui reste est de marcher sans perdre ce que nous sommes, une société dans laquelle nous avancerons toujours ensemble.
La première fois que vous avez montré la déconstruction de vos pièces en Espagne, c’était au musée Goya de Saragosse avec “La Victoria del Silencio”. Qu’est-ce que cela a signifié pour vous de voir votre travail exposé à côté de votre grande référence ?
Un grand sentiment de fierté et une gratitude sincère. Je me souviens avoir été profondément ému d’avoir eu l’occasion d’être si proche de lui dans un espace avec lui.
Avec ce sentiment, avez-vous hâte de retourner en Espagne ?
Je n’ai jamais quitté l’Espagne. Je ne reviendrai jamais en arrière, je serai toujours là.
Vous êtes le troisième artiste espagnol contemporain le plus recherché après Miquel Barceló et feu Juan Muñoz. Qu’est-ce qui fait d’un artiste l’un des plus recherchés ?
Honnêtement, je ne sais pas, il y a tellement de bons artistes qui ne sont sur aucune liste ! Au cours de ma carrière, j’ai eu la chance de trouver des galeristes et des collectionneurs qui m’ont beaucoup soutenue, mais je vous dirai aussi que laisser sa peau dans ce que l’on crée vous donne une force et une capacité de travail inimaginables.
Apprécié en Espagne, vous avez également été récemment nommé artiste de l’année 2021 aux Pays-Bas. Que pensez-vous d’une telle reconnaissance ?
Je suis toujours reconnaissant pour la reconnaissance, mais dans la solitude de votre studio, lorsque vous travaillez et faites face à vos doutes et à vos émotions… la vanité de la reconnaissance n’est qu’un ennemi déguisé en mouton.
Vous vous êtes récemment tourné vers la sculpture et avez présenté vos productions au public à Amsterdam. Pourquoi maintenant ? Quelle est la raison de cette évolution ?
L’artiste travaille sans relâche et l’évolution est l’état naturel. Après avoir manipulé les pièces pour les “transformer”, il était très logique pour moi d’atteindre la tridimensionnalité de cette manière.
De quel travail ou projet êtes-vous le plus fier ?
Il m’est difficile d’être fier de l’un ou l’autre projet en particulier, car dans chacun d’eux, je donne toute mon âme et tous mes sens. Je peux vous dire celui qui m’a beaucoup ému et m’a aidé à passer à une période fondamentale de mon travail : “Bodas de Sangre” de mon cher Federico García Lorca.
Vous êtes également devenue une référence féminine dans l’art contemporain, un secteur dans lequel les femmes sont traitées comme des sujets passifs ou sont sous-représentées. Il est difficile de voir une femme exposer seule, ses œuvres sont souvent présentées dans des expositions collectives. Avons-nous progressé en matière d’égalité ?
Non. Il y a beaucoup de travail à faire dans ce secteur. Les pionnières, les femmes pionnières, ont ouvert la voie avec de la sueur, des humiliations et des silences pleins de force. Nous sommes maintenant dans un moment où ces silences et cette force se font de plus en plus entendre. Je suis un grand optimiste et je crois que de grands pas sont faits, même s’ils sont très limités.
La condition féminine et la revendication du féminisme sont également des constantes dans votre parcours professionnel. L’art est-il un bon vecteur pour œuvrer à cette lutte pour l’égalité ?
Absolument. Peut-être l’un des meilleurs, car l’art n’a pas de vêtements et pas de nom, l’art est si puissant et contient tant d’amour qu’il est impossible de résister à la vérité qu’il contient.
